Art

Quatre expositions à Milan pour le week-end de l’art

Tadashi Kawamata, Nid à Milan et BÂTIMENT

Né en 1953 sur l’île d’Hokkaido, Tadashi Kawamata il représente le Japon à la Biennale de Venise, en 1982, il participe aux 8e et 9e éditions de la Documenta, en 1987 et 1992, et en 2005 il est directeur artistique de la deuxième Triennale de Yokohama. Maintenant Kawamata arrive à Milan grâce à l’invitation de la galerie CONSTRUCTIONpour réaliser le projet « Nests in Milan », organisé par Antonella Soldaini. À partir du 31 mars, l’espace de la via Monte di Pietà et une série de bâtiments adjacents seront enveloppés par les installations in situ de l’artiste, toutes en bois, pour représenter la forme de peuplement la plus romantique et même la plus primaire : le nid.
« Les interventions que Kawamata a conçues spécifiquement pour Milan visent à incorporer une partie du tissu urbain de la ville, en intervenant sur des bâtiments qui, dans le contexte de l’histoire de la ville, contiennent une valeur civile et culturelle particulière. En s’appropriant les façades ou les espaces intérieurs ou les balcons ou les toitures, à travers une série de constructions obtenues avec l’entrelacement de planches de bois qui forment une trame inextricable, à la fois légère mais à la structure solide, Kawamata nous entraîne vers un autre lecture et interprétation de leur aspect et de leur sens », lit-on dans le texte critique accompagnant l’exposition.
Ainsi, le nid léger et éphémère de Kawamata se situe en parfaite superposition à l’iconicité architecturale du centre historique de Milan, ramenant l’attention sur le besoin et la volonté de construire, tant dans le règne de l’homme que dans le monde animal et dans le un humain. .
Une exposition où chercher un “abri” idéal et découvrir un imaginaire poétique qui peut – on le sait – commencer là où règne le béton, créant un mélange d’émerveillement et de charme.

Louise Nevelson et Giorgio Marconi au vernissage de l’exposition de l’artiste. Studio Marconi, Milan 1973. Photo par Enrico Cattaneo, Courtesy Gió Marconi, Milan

Louise Nevelson à la Fondation et Galerie Marconi

Louise Nevelson – qui sera présente à la 59e Biennale d’art de Venise organisée par Cecilia Alemani – revient à Milan après un certain temps.
Les espaces rénovés de la Fondation Marconi accueillent en effet l’exposition « Out Of Order. Les collages de Louise Nevelson ». Sculpteur ukrainienne née en 1899 et décédée en 1988, naturalisée des États-Unis, elle est très actuelle dans la culture de la durabilité, dans l’art de recycler les déchets collectés à l’intérieur et à l’extérieur des environnements de sa propre vie. Rappelons qu’en 1973, Giorgio Marconi, alors que l’artiste était encore inconnu en Europe, expose dans sa galerie milanaise les œuvres de ce protagoniste du renouveau de la sculpture du XXe siècle. Depuis, le galeriste n’a cessé de promouvoir l’extraordinaire art de l’assemblage de Nevelson, qui se manifeste également dans les collages, des années 1950 aux années 1980, culminant en 2016 avec l’exposition organisée par Bruno Corà, consacrée à la réinterprétation analytique des collages dans dialogue avec les assemblées.
Pourtant ce nouveau projet d’exposition, créé avec le soutien de la Fondation Louise Nevelson de New York à l’occasion du 60e anniversaire de sa participation à la Biennale en 1962, représentant les États-Unis, s’accompagne de la publication d’un volume exclusivement consacré aux collages , avec des essais du curateur Yuval Etgar et de l’historienne technique de l’art Pia Gottshaller, publié par la Fondazione Marconi / Mousse Publishing, ouvre de nouvelles interprétations originales de la poétique de l’artiste.
« Je ne sais pas si la définition d’un sculpteur me convient. Je fais un collage. Je reconstruis le monde démembré dans une nouvelle harmonie », a déclaré Nevelson, qui a répété : « Ma façon de penser, c’est du collage ». Nous, téléspectateurs, n’avons qu’à repenser le quotidien, à redécouvrir sa capacité à attribuer une nouvelle vie “spirituelle” à peu de déchets d’une beauté métaphysique. (Jacqueline Cérésol)

Monica Bonvicini, photo à Ahu Dural, 2020

Monica Bonvicini, Agréable de Raffaella Cortese

le Galerie Raffaella Cortese présente la troisième exposition de Monique Bonvicini (1965), au titre intrigant “Pleasant”, visant à approfondir l’investigation du langage, de la poésie et de l’espace – éléments à articuler et à interpréter à partir d’une prémisse féministe – qui tire son titre d’une série de nouvelles œuvres, spécifiques avec des phrases et des citations d’écrivaines, dont Amelia Rosselli, Lydia Davis, Diana Williams et Natalia Diaz.
L’artiste vénitien qui vit à Berlin, que l’on connaît pour ses incursions autour de l’ambiguïté du langage, produit des œuvres réalisées avec différents supports pleins de références historiques, sociales, politiques et culturelles, continue de nous poser des questions non résolues sur le sens de l’art et ses limites et possibilités liées à l’idéal de liberté.
Ainsi passant de la maison dans l’exposition “StageCage” (2021), Krinzinger Gallery, à Vienne basée sur la philosophie du théoricien Kenneth Thompson et Etudes de culture tectoniqueà la série photographique Maisons italiennes (2019), jusqu’à la performance Give Me Pleasure (2019), tirée de l’œuvre Turandot de Puccini, également dans cette exposition milanaise le caustique Bonvicini ne perd pas le détachement de son regard critique sur l’architecture et sur le monde et les constructions sociales. En particulier, les nouvelles œuvres explorent l’espace domestique avec une série d’œuvres réalisées en peignant directement sur le verre, qui déclenchent des observations sur la perception et la réflexion dans et au-delà de la vie domestique qui est tout sauf agréable (Agréable).
Beaucoup se souviennent peut-être Dans les bras? (2019), la reproduction des armes de l’artiste en verre rose taillé ; un matériau de réflexion, de fragilité et de résistance ensemble. L’artiste Leone d’Oro à la Biennale de 1999 – que l’écrivaine cynique Dorothy Parker aimerait – évoque aussi Virgina Wolf de Raffaella Cortese : à vous de découvrir comment.
Parmi les autres citations exposées qui fouettent les vices et les vertus de la société dominée par les hommes, avec des œuvres qui font référence au rôle passif que jouent les femmes dans la culture patriarcale : Voilà que vient la petite vanité ; l’emblématique Parce que tu es si désagréable que je ne te souhaite pas de bien; c’est toujours Tu es un gros escargot Et Un peu de bon ordre, un ordre féroce. (Jacqueline Cérésol)

Loredana Longo, Toute ma peau, 2021

Loredana Longo, Crash de Francesco Pantaleone

Explosif comme l’Etna, le volcan qui accompagne la vie de la ville où il est né : Catane. On parle de Loredana Lungaartiste phare de la saison printanière de Galerie Francesco Pantaleonedans les bureaux de Palerme et de Milan. Intitulée « Crash », et organisée par Irene Biolchini, dans la galerie on découvre des œuvres inédites en céramique, cuir, composants automobiles, vidéos, néon et Lightbox. L’artiste nous a raconté la genèse de ce projet, en attendant de découvrir la performance de ce soir (h.21)

Une exposition personnelle dans les deux bureaux de Francesco Pantaleone, à Milan et à Palerme, qui s’intitule “Crash”. Comment est née l’exposition ?
«Le crash me trottait dans la tête depuis un certain temps, mais les temps s’étaient arrêtés dans des limbes qui ne prévoyaient pas d’impacts. Au lieu de cela, Crash est cet impact dont vous savez qu’il pourrait se produire et le faire se produire, pour être maître de votre destin. Peu importe le nombre de fois que vous marchez sur cette voie sans issue, vous la retracez comme si l’expérience de l’erreur était votre choix ».

Que voit-on à l’affiche ? Quels critères de sélection avez-vous suivi ?
« Ce sont deux expositions reliées l’une à l’autre, l’une dans le prolongement de l’autre, et cela se perçoit par l’utilisation de quelques éléments qui se répètent comme : la peau couleur chair ; les coupes; les coutures; certaines parties de la voiture, personnalisées en cuir ; la céramique qui me recouvre comme une seconde peau ; Moi qui voudrais toujours sortir de cette peau. Et puis une inscription qui apparaît dans les deux expositions : MON CORPS N’EST PAS PERSONNE. Volontairement agrammatical, mais il sème le doute : mon corps est-il quelqu’un, est-il mien ou n’est-il personne ? ».

En parlant de “Crash” : vous avez fait exploser des environnements, vous avez travaillé avec des éclats de verre, vous avez “écrit” avec le feu… sur quoi essayez-vous de vous concentrer avec tous ces “crashs” ? Quelle est votre idée de l’art ?
« Plus qu’une idée, c’est une pensée, un ensemble de contenus qui me poursuivent ou qui ont peut-être toujours été en moi. Je ne sais pas pourquoi je pense ces choses, je sais que je ne pourrais rien faire d’autre, une sorte de défaut de forme, et ma forme est une sorte d’explosion continue. Après chaque explosion une reconstruction, et ainsi de suite : l’expérience n’est pas mon professeur, retracer cette erreur est essentiel pour me faire sentir vivant ».

Y a-t-il du matériel que vous n’avez pas encore utilisé dans vos recherches et que vous aimeriez expérimenter ?
“Je pense que j’ai utilisé presque tous les matériaux, il y a des choses que je n’ai jamais faites, celles-là, je les ferai.”

Quels projets avez-vous pour l’avenir ?
“Après CRASH #1 ET CRASH #2 il y aura Crash #3-4-5-6… dans mon futur, son évolution, mon corps qui devient autre chose mais avec la conscience du plaisir masochiste d’être à l’intérieur de quelque chose qui va se répéter et dont je ne sais pas s’il veut vraiment s’en sortir ».

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