Art

Egon von Fürstenberg raconte l’esprit de l’art

Le volume «Photographier l’art» est une mémoire d’images du monde de l’art contemporain capturées dans ses moments non officiels


Présenté au MAXXI à Rome le 22 mars et à l’Assab One à Milan le 2 avril, le livre «Photographing Art», Skira Edition, 2022, édité par Adelina von Fürstenberg, contient une riche sélection de clichés du photographe mexico-allemand Franz Egon von Furstenberg. Les images témoignent du monde de l’art en dehors des circuits officiels. Parmi ses pages figurent de nombreux artistes, parmi les plus connus et les plus représentatifs de notre époque, d’Andy Warhol à Joseph Beuys, de Marina Abramovic à Pat Steir, de Janis Kounellis à Mario et Marisa Merz, de Kabakov à Georges Adéagbo, de Barthélémy Toguo à Chen Zhen. Ci-dessous, nous rapportons l’interview de la journaliste et conservatrice Alessandra Mammì avec von Fürstenberg tirée du volume.

Egon von Fürstenberg n’a pas photographié d’œuvres d’art ni même de portraits d’artistes : Egon a photographié de l’art. Son regard a poursuivi le contact intangible avec l’essence de l’art, si difficile à décrire avec des mots, mais qui devient simple et immédiatement accessible lorsqu’il se révèle. Cette tension l’a guidé tout au long de son travail aux côtés de son épouse Adelina Cüberyan mais surtout de l’infatigable commissaire qui a baptisé certaines des étapes les plus importantes de l’art européen et international. La suivre et la soutenir sur un chemin qui a coïncidé avec leur vie et avec les moments les plus intenses
recherche artistique de la seconde moitié du XXe siècle, Egon témoigne de ce qui se passe dans ce monde. Pas le caractère officiel, pas la façade des choses, mais l’esprit qui a fait grandir l’art et les artistes dans une œuvre commune et commune. Si le résultat est dans les pages de ce livre, la méthode et le secret de ce reportage subtil et intense est d’avoir embrassé et vécu l’art avec les artistes, à travers les artistes et on peut bien le dire, en tant qu’artiste lui-même. Comme le montre cette conversation.

Vous êtes venue à l’art grâce à votre relation avec Adelina et après avoir exercé de nombreux métiers allant du pilotage d’avions aux reportages de mode. Et en regardant vos photos aujourd’hui on sent presque une complémentarité entre votre méthode de travail et celle d’Adelina : cette action généreuse à laquelle répond votre observation tranquille…
Notre relation n’était pas exactement complémentaire. Nous n’avons jamais décidé de travailler à quatre mains. Adelina a fondé des institutions, élaboré des concepts et des choix avec les artistes, trouvé des lieux pour monter des expositions. J’ai presque tout photographié, instant après instant. J’étais témoin. Je me suis lié à ce monde tout comme je me suis lié à Adelina et sans elle, je pense que je n’aurais jamais photographié d’art. Durant toutes ces années, j’ai partagé avec elle ses sentiments et son besoin de repousser les limites. J’ai compris les artistes grâce à elle, car je les ai aimés et observés pour mieux comprendre ce qu’ils faisaient.

Dans les images que l’on voit rarement il y a des photos posées. Les artistes se laissent photographier par vous avec un naturel extrême dans leurs moments d’euphorie ou d’agacement voire de fatigue extrême. Comment fonctionnait cette relation ?
J’ai pris des photos rapidement sans qu’ils s’en rendent compte, aussi parce que je faisais partie du projet depuis le début et non une personne venue photographier l’exposition. Je n’étais pas un photographe contractuel, je faisais partie de la famille de l’art.

Qu’est-ce que cela signifiait pour vous de venir à l’art après avoir eu des expériences dans la photographie de mode et dans d’autres domaines de la profession ? Comment l’art a changé votre façon de photographier et que recherchiez-vous de plus près dans le travail et la vie des artistes ?
La photographie de mode ne vous oblige pas à aller en profondeur. Les objets sont photographiés et pour ce faire, naturellement, le talent et la technique sont nécessaires, mais la passion ou l’humanité ne sont pas nécessaires. Au contraire, la photographie d’art est très humaine et profonde, il faut apprécier ce que l’on photographie, prévoir la psychologie de l’artiste et de l’œuvre, user d’une certaine philosophie. Si cette attitude n’est pas adoptée, il est impossible de capter et de transmettre l’instant où l’œuvre se révèle.

Y a-t-il eu des moments où cette consonance entre vous, les œuvres et les artistes a échoué ?
Bien sûr, j’ai aussi échoué. Adelina, par exemple, a organisé une grande exposition de modèles architecturaux avec des architectes de l’AA School of Architecture de Londres. J’avais pris de belles photos avec d’excellents clichés. Du moins je le pensais. Mais quand je les ai montrées aux architectes, ils ont dit que c’étaient certainement de bonnes photos mais ils n’ont rien dit sur leur travail. Et puis j’ai réalisé que je n’avais aucune relation ou sensibilité réelle avec ça. Je viens de prendre de bonnes photos. Ce n’est pas assez.

Que faut-il à la place ? La perfection formelle, l’expression des visages, l’instant (pour citer Cartier-Bresson) ?
Je recherche avant tout l’instant, avec une image fixe d’une situation précise. Mais je n’ai jamais été photojournaliste. Plutôt un classeur : je capture ces instants et je les garde.

Avez-vous rencontré les plus grands artistes de la seconde moitié du XXe siècle, y a-t-il quelqu’un en particulier qui vous a le plus impliqué ? Quelque chose dont vous vous souvenez avec admiration ou nostalgie encore aujourd’hui ?
De nombreuses rencontres ont été fondamentales pour moi. A commencer par Joseph Beuys, avec qui j’ai pu parler de nos origines communes, de la guerre, de l’expérience de piloter un avion, de bien d’autres choses auxquelles je n’avais pas encore donné de réponse. Il en fut de même avec Ulay, dont je me sentais particulièrement proche pour des raisons identiques, car nous partagions la même génération née sous le régime nazi, avec une enfance et une adolescence difficiles marquées par le fait d’être des Allemands d’après-guerre. La force des artistes avec qui Adelina a toujours travaillé m’a toujours énormément impressionnée et émue. Je pense à Alighiero Boetti dans ses derniers mois de vie, quand malgré ses souffrances il a pu nous offrir peut-être la plus belle exposition de sa vie : celle des kilims exposés au Magasin de Grenoble. Ou mon grand ami Chen Zhen qui a transformé sa maladie en source d’inspiration pour sa création et enfin Marina Abramovic avec cette capacité héroïque à endurer la douleur physique et à en faire une œuvre d’art, mais aussi Ilya Kabakov qui a fui en Occident a transformé le quotidien d’un régime totalitaire vivait en URSS dans des installations.

Et les événements qui vous ont le plus marqué ?
Les artistes de la performance m’ont vraiment impressionné. En les photographiant, je me suis souvent senti sur scène à côté d’eux, au point de vivre l’action presque simultanément avec eux. C’est arrivé avec Bob Wilson dans la mise en scène de “Einstein on the Beach” avec la danse de Lucinda Childs, la musique de Philip Glass et plus tard sur Mother Island quand Bob nous a imité le loup avec ses grimaces commentées par les sons enregistrés par son compositeur Michael Galasso, j’ai vraiment eu l’impression que le loup était là, parmi nous. Mais une des choses que je ne peux pas oublier, ce sont les vernissages à New Delhi où des enfants indiens ont joué avec les œuvres créées pour eux par les artistes du projet Playground & Toys, sautant entre ballons géants et architecture colorée.

Selon vous, quelles sont les évolutions du monde de l’art que vous avez enregistrées lors de votre très long témoignage pour le meilleur ou pour le pire ?
Ce que je peux dire d’aujourd’hui et d’hier, c’est que j’ai pu vivre, voir, photographier l’extraordinaire qui n’existe plus. Aujourd’hui, nous sommes entourés par l’ordinaire et l’extraordinaire a disparu.

Mais parmi les nombreuses œuvres que vous avez photographiées, en est-il une en particulier qui est restée dans vos yeux et dans votre cœur ?
En 1985 j’ai beaucoup photographié “Le Porteur de Citrouilles” de Michelangelo Pistoletto : gigantesque, imposante, magnifique sculpture en marbre du Parc Lullin créée pour les “Promenades”. Je l’ai revu récemment : il était sale et abandonné au Jardin Botanique pas même une pancarte, une légende, une information pour l’identifier. Elle a été laissée seule, sans aucun abri. Cela m’a tellement bouleversé qu’en rentrant chez moi en bus, je suis tombé gravement et j’ai été très blessé. Et ce n’était pas par hasard, mais parce que c’est mon rapport à l’art.

En repensant à toutes les photos que vous avez prises, comment définiriez-vous le travail d’Egon von Fürstenberg ?
Un photographe lui-même dira toujours qu’il est médiocre ou le meilleur, mais je suspends mon jugement sur moi car la qualité de mes photos dépend et descend de ce que j’ai photographié.

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«Gilbert & George, Ileana Sonnabend Gallery, New York» (1975) par Egon von Fürstenberg © les artistes





«Egon von Furstenberg, Venise» (2015) © Elio Montanari

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