Art

L’imagerie classique et la force de la matière dans l’art de Caterina Morigi

DE L’INTÉRIEUR ART # 122
Travailler sur les seuils, chercher les traces du temps incrustées dans la matière, les vides qu’elles laissent, les marques qui subsistent

L’élitropie est une forme de calcédoine, généralement vert foncé avec des taches rouge-orange, ressemblant à des gouttes de sang, ou jaune, qui donnent au minéral son ancien nom de plasma. Pline l’Ancien a décrit ses multiples façons de refléter la lumière, tandis que les légendes du passé attribuaient à cette pierre le pouvoir de rendre celui qui la portait invisible. D’une certaine manière, la recherche de l’artiste Caterina Morigi est liée à l’héliotrope en de nombreux points : la curiosité pour les traces, visibles ou invisibles ; changements dans la matière; la superposition de l’organique et de l’inorganique.

Son travail, Elitropia (Mélusine) de 2020, contient ces réflexions et d’autres et force un zoom continu de la vision de l’œuvre de macro à micro, comme pour ne plus vouloir observer la forme, mais la matière elle-même. Et si dans 1/1 de 2018, la manière dont l’artiste avait traité la surface servie de son propre aveu pour “raconter comment, même dans le moindre détail, quelque chose que l’on a toujours sous les yeux peut se lire bien plus qu’on ne l’imagine initialement”, dans l’affaire de Elitropie c’est la recherche des diverses réactions chimiques des désinfectants utilisés dans leurs changements d’état qui retient l’attention.

Pour ce faire, elle s’est rapprochée de plus en plus de la matière, exactement comme dans Settilia de 2019, dans lequel les différentes sections sculpturales ont été créées par l’artiste selon une technique du XVIIIe siècle, “un pétrissage – explique-t-il – de manière minutieuse, presque comme un chimiste, créant une connexion active avec la matière : plus vous bougez la pâte, plus le plâtre prend et plus le pigment se colore ». Pour accomplir ces retournements, Morigi travaille aux côtés de divers professionnels. Pour Elitropie l’apport de certains chercheurs dans les domaines de l’ingénierie architecturale et biomédicale a été fondamental. «Ce qui m’a attiré dans leur travail – avoue l’artiste – c’est qu’ils ont opéré un renversement du paradigme classique entre l’homme et la nature. L’homme a toujours utilisé la nature comme une forme à imiter, mais aussi comme un matériau avec lequel créer les œuvres que nous avons encore aujourd’hui. Ils ont fait le contraire : pour soigner et conserver un élément naturel, comme le marbre, ils ont observé des ossements humains qui, dans certaines conditions, se conservaient mieux que les enveloppes de pierre qui les contiennent ».

Sectilia (Braccio di menad), vue d’installation Mucho Mas !, Turin, 2019, photo Silvia Mangosio

La même relation entre l’homme et la nature se lit, chez Morigi, dans le choix d’utiliser le marbre : « Le marbre représente la nature, mais il est composé de carbonate de calcium, comme les os et les exosquelettes de petits êtres marins qui sont étudiés sur le terrain. biomédical”. Les arabesques de la pensée de conception de l’artiste sont le résultat d’un profond dévouement à l’étude et à la recherche. L’intérêt se porte surtout sur l’archéologie de la production entendue aussi, comme elle l’explique elle-même : « les heureuses erreurs qui ont fait progresser la technique ; c’est une passion immense et personnelle d’aller au fond de chaque petit détail de chaque technique. Je ne cherche pas une technique à utiliser de manière linéaire, mais, comme dans les paysages karstiques, je préfère faire des allers-retours dans le temps ».

Et tout comme dans une coulée karstique, il y a des assonances visuelles et thématiques sur son parcours : on pourrait relier les recherches de 2020 aux premiers travaux de 2010 comme Cahiers ou l’épiderme de Parcelle avec Settilia et observez comment le temps traite la matière et sa signification toujours d’une manière différente et inattendue. « Si parfois c’est moi – avoue Morigi – qui revient sur les thèmes, sans trop réfléchir, c’est aussi beau quand les thèmes émergent des limites spatiales, culturelles, biologiques. Et même s’ils semblent opposés ou visuellement éloignés l’un de l’autre, ils finissent par devenir reconnaissables, comme quelque chose de familier ».

La vocation à la matérialité découle de l’ancienne tradition du lieu de naissance de l’artiste, Ravenne, mais un rôle fondamental dans la formation de son regard et de sa pensée est également joué par Venise, où Morigi a étudié. « Cette sorte de défi avec la nature – dit-il – est perceptible dès le premier pas que l’on fait en entrant dans le lagon, et y vivre longtemps absorbe un certain type de lumière. Peut-être ai-je aussi été influencé par mes études de photographie avec Guido Guidi : le regard, les choses que nous observons, les lieux que nous habitons conditionnent notre perception et constituent une sorte de structure transparente qui se retrouvera dans chaque image ultérieure, comme une trace. Et ainsi la ville de Venise, avec toutes ses textures : l’eau, les murs qui s’écaillent, le marbre, ont formé mon regard ».

Les traces, cependant, ne sont pas toujours visibles, mais elles peuvent aussi être des absences, des lacunes. Difficile de les dire avec des mots, mais facile à comprendre dans les œuvres de l’artiste : « Dans mes dernières recherches – conclut-il – les désinfectants que j’utilise créent souvent de petites explosions sur le papier, de petites nouvelles formes de vie ; mais parfois ils emportent tout. Et voici le vide. Dans la bidimensionnalité, il est facile de voir ce processus, mais je suis curieux de voir dans les sculptures comment le vide va se créer ».

1/1, Vue d’installation, MAMbo, Bologne, 2018

Infos : https://caterinamorigi.com/

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