Art

Louise Bonnet : dans son art, rien à cacher

Louise Bonnet est l’artiste parfaite pour cette Biennale, parmi celles qualifiées de « désobéissantes » par la commissaire Cecilia Alemani : « Une désobéissance aux clichés et aux canons très souvent associés à ces identités. Sur l’écran, il y a beaucoup de corps qui rejettent une composition ou une vision traditionnelle ». Tout comme dans le cas de Louise Bonnet : c’est une femme, née en Suisse en 1970, elle a étudié à la Haute école d’art et de design de Genève, elle vit à Los Angeles depuis 1994. Ce ne devait être qu’une Année “off” en Californie, il est devenu sa maison, la ville même avec le culte du corps. Des débuts dans l’illustration et le graphisme, puis en 2008 une exposition (à la galerie Subliminal Projects de Shepard Fairey et Blaize Blouin) la persuade que la peinture est la bonne voie. Dans ses œuvres, les visages et l’individualité sont cachés par la physicalité. Son art est corporel : tordu, tordu, tendu, exagéré, impossible, méconnaissable. Pieds géants, mains massives, nez volumineux. Des intimités cachées derrière des masses de matière interrogent le genre et la sexualité. Explorez les limites de l’humain. Scènes étranges, surréalistes, absurdes, tirées de dessins animés underground. Ses sources sont là, mais aussi dans la peinture médiévale – sacrifice, horreur, humour noir – et dans le surréalisme.

Collants rouges. @Louise Bonnet. Photo Jeff McLane / Avec la permission de Gagosian

Qu’est-ce qui vous a convaincu de rester à Los Angeles dans les années 1990 ? Ce n’était pas un endroit facile pour un artiste, l’art était l’Europe ou New York.
«Oui c’est vrai, les Européens aiment avant tout l’art ou le détestent. Dans mon cas, la Suisse est très jolie, conventionnellement belle, les montagnes sont incroyables, mais sinon, il n’y a que des stations-service et des géraniums. Les villes n’aident pas à créer des liens, elles sont répressives. Quand je suis arrivé à LA, j’ai tout de suite trouvé tout très moche et sale, mais aussi grand en termes d’espace. Vous pouvez aussi être moche et sale, mais vous ne vous sentez pas pris au piège. Ici, les gens ne jugent pas, ils encouragent les nouvelles idées, il n’y a pas de hiérarchie ni de classe sociale. je l’ai trouvé super ! J’étais graphiste pour une entreprise de mode streetwear, mais j’étais terrible, ils ont coupé mon salaire quand ils ont réalisé que je ne pouvais rien faire. J’aimais dessiner et peindre, pas utiliser d’ordinateurs ».

Les thèmes de vos œuvres, vos corps, étaient-ils déjà ceux-là ou y a-t-il eu une évolution ?
«Le thème est toujours sur les gens, la seule chose qui m’intéresse. Je n’avais pas de télé quand j’étais petit, je n’avais pas accès à la pop culture, j’ai dû inventer ma propre narration. J’ai donc dessiné des bandes dessinées, qui étaient très populaires à Genève, pas seulement des dessins animés comme Superman, je veux dire, ils étaient plus proches d’une forme d’art. Je pense à Robert Crumb ou aux magazines de bandes dessinées sombres. Ils m’ont fait réaliser qu’on peut vraiment dessiner ce qu’on veut. Et puis l’art médiéval, mais aussi de la Renaissance et du surréalisme. Tout cela est entré dans mon imagination, sang et représentations du Christ mort. Ils me faisaient peur, mais ils étaient acceptables parce qu’ils étaient là, pour les gens qui ne savaient pas lire. »

Il y a une provocation constante dans vos œuvres : quelle réaction voulez-vous susciter chez ceux qui les observent ?
« Aucun, je me fiche de la réaction. Ce que je trouve intéressant, c’est la gêne ou la honte. Je pense que la façon la plus pure de regarder quelqu’un est quand il se sent coupable, ce que les gens essaient de cacher. Aujourd’hui, c’est ce que vous faites de votre corps, les actes que vous voulez cacher, en particulier les femmes, comme aller aux toilettes, perdre du sang, et tout ce que vous faites pour contenir ou contrôler ces actes. Ou les pieds, par exemple. Nous avons tous tendance à les cacher, car nous sommes la tête et le cerveau, mais nous oublions ainsi nos racines dans la terre. Surtout dans le monde de l’art, où tout doit être intellectuellement et conceptuellement pur. Et les femmes sont les premières à se voir demander de cacher leurs parties intimes. Ça m’intéresse d’être seul et de peindre, c’est tout. Et je sais que j’ai le privilège de pouvoir le faire, parce que je suis un occidental blanc de la classe moyenne. Oui, cela fait partie de la colère que l’on peut lire dans mes œuvres. C’est pourquoi j’aime Louise Bourgeois, car il me semble qu’elle ressentait la même colère ».

De gauche à droite : Louise Bonnet devant ses collants violets (également à droite).  Photo Jeff McLane / Avec la permission de Gagosian

De gauche à droite : Louise Bonnet devant ses collants violets (également à droite). Photo Jeff McLane / Avec la permission de Gagosian

Outre les grands artistes, quelles ont été les rencontres les plus importantes de votre vie ?
«Mon amie Miranda July, par exemple. Je n’ai jamais rencontré quelqu’un comme elle. Elle est capable de lever tous les doutes sur elle-même. Il veut une chose, il sait que la seule chose importante est de faire son travail et il se concentre uniquement sur cela, sans être distrait par les interférences avec lesquelles je lutte. C’était très inspirant. Et puis mon premier galeriste, Nino Mier. Quand quelqu’un voit votre travail pour ce qu’il est, sans rien savoir de vous et sans savoir ce qu’il doit en penser, c’est fantastique.”

Qu’est-ce que l’intimité pour vous ? Ce que vos œuvres semblent nier, exposant même les moments les plus intimes et personnels d’un être humain, comme nous le verrons à la Biennale ?
« Il y a des actes de pouvoir, pour les hommes par exemple, pour marquer le territoire avec leur propre fluide, qui chez les femmes deviennent quelque chose de complètement différent, quelque chose à cacher, pourtant c’est quelque chose de si naturel, ils nous ramènent à la mer primordiale. Et en fait, ce sont des thèmes récurrents dans l’art médiéval. L’intimité, d’un autre côté, je pense, c’est s’autoriser à s’éloigner. Eh bien, peut-être que je le pense parce que je ne suis pas seul, mais pour moi c’était fondamental, en grandissant, d’avoir mon espace privé, même dans ma tête, d’être seul. Si je suis vraiment intime avec quelqu’un, c’est avec la personne qui me permet cette solitude, comme c’est le cas avec mes amis, mon mari et mes filles. Se sentir pris au piège est la pire des choses.”

Puis, après ce bavardage-confession, arrive le lendemain une image de Louise, une de ses préférées : la fresque La Crucifixion de saint Pierre de l’atelier de Cimabue (vers 1283), dans la basilique supérieure de San Francesco à Assise. C’est un Christ à l’envers, à l’envers. Et il dit que Louise n’est pas seule. Et son art a toujours été là.

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